MMMAD Festival, entre la magia y la tecnología

Desde que arrancó el pasado 24 de abril, Madrid se está transformando en un laboratorio de exploración artística y tecnológica con la sexta edición de MMMAD Festival , bajo el tema «Abracadabra: de magia y tecnología». La ciudad acoge un amplio programa de exposiciones, instalaciones, performances y talleres que investigan los vínculos entre cuerpos, sistemas computacionales, mitología, ritual y percepción digital. El programa, de un mes de duración, contará con tres exposiciones, cuatro performances y cinco talleres, además del programa de arte digital en el espacio público en pantallas repartidas por toda la ciudad. Este año, el marco teórico del festival ha sido desarrollado por la escritora y artista digital Mayte Gómez Molina , galardonada con el Premio Nacional de Poesía Joven en 2023 y autora de libros como 'Circuito cerrado de vigilancia' o 'Los trabajos sin Hércules' en los que explora temas como el cuerpo como ente político, la percepción como contrato social, la construcción de la identidad en espacios tangibles y digitales y la visibilidad e invisibilidad como recursos para sobrevivir. Las pantallas urbanas de Clear Channel y Súper 8 volverán a llenarse de arte digital, con la obra 'De Magia y Tecnología' del colectivo Patio studio, una serie generada con inteligencia artificial que evoca el misterio de los sistemas generativos y la opacidad de las máquinas, interrogando nuestra relación con lo incomprensible. En el espacio Gaviota, la exposición colectiva Abracadabra: de magia y tecnología presenta cinco instalaciones de artistas de distintos lugares del mundo que abordan la relación entre magia y tecnología, respondiendo al marco conceptual de la edición, reuniendo a artistas como Guerreiro do Divino Amor, Lolo & Sosaku, Rune Bering, Sputniko! y Alejandría, cuyas piezas cruzan el mito, la especulación científica y la crítica cultural desde enfoques audiovisuales, performativos y escultóricos. Otros espacios acogerán exposiciones individuales como 'Model Home' de Simone C Niquille (Navesierra), que analiza el impacto de la visión computacional en el hogar, o Clients and Servers de Common Accounts (Hyper House), una instalación que aborda el duelo digital a través de una réplica de catafalco barroco como interfaz contemporánea entre cuerpo, red y memoria. Los días 17 y 18 de mayo, el festival ofrece un programa de talleres en Medialab Matadero, donde se explorarán herramientas XR, captura de movimiento y composición coreográfica digital. Entre los docentes figuran Carles Castaño y el colectivo Servicios Inmersivos, así como Candela Capitán, que impartirá un taller centrado en la relación entre cuerpo, exposición y virtualidad en la era hiperconectada, en el que, mediante ejercicios prácticos y reflexión colectiva, se desafiarán los fundamentos tradicionales de la danza y el arte contemporáneo, explorando metodologías que cuestionarán la interacción entre lo físico y lo virtual. Finalmente, el festival culminará los días 23 y 24 de mayo en Réplika Teatro con una intensa programación de performances en vivo que exploran la intersección entre tecnología, identidad y deseo. Participan artistas como allapopp, MANS O & Joan Sandoval, Meritxell de Soto y Yessi Perse, con piezas que fusionan sonido, avatar, cuerpo y narrativas especulativas sobre la IA, el género, la economía digital o el BDSM. Con todas estas propuestas, MMMAD 2025 se consolida como una cita imprescindible para pensar el presente desde las fricciones entre tecnología, arte y sociedad, expandiendo el espacio público y escénico hacia territorios simbólicos, poéticos y políticos, en una edición cuya imagen ha sido desarrollada por el colectivo PATIO studio, formado por Johanna Jaskowska, Yuri Rodriguez, Felina HDB y Carlos Ojeda, a partir del marco conceptual, como una obra digital en sí misma. ARTE DIGITAL EN LA CIUDAD (24 abril – 24 mayo) Un año más llenamos la ciudad de arte digital a través de las pantallas de Clear Channel repartidas por los distintos barrios de Madrid, y de las espectaculares pantallas de Súper 8 en el Palacio de la Prensa de Callao. Las pantallas se convertirán en lienzos digitales para mostrar la obra 'De Magia y Tecnología' de Patio Studio, un colectivo de artistas integrado por Johanna Jaskowska, Felina HDB, Yuri Rodriguez y Carlos Ojeda, fundado en Madrid en 2025. De Magia y Tecnología es serie audiovisual que explora los límites de la comprensión humana frente a los procesos computacionales. La obra transita por un espacio de incertidumbre, donde la lógica tecnológica se diluye para presentar una dimensión enigmática en la que, a través de figuras simbólicas, se evoca el misterio de los sistemas generativos. La transición entre la intención del usuario y la respuesta de las máquinas se vuelve difusa, dejando en evidencia la opacidad de estos procesos. La obra no solo presenta esta incertidumbre, sino que la incorpora en su propia creación. Generada mediante inteligencia artificial, se convierte en testimonio y paradoja: reflexiona sobre la oscuridad de los sistemas computacionales mientras es producto de ellos, interrogando así la relación entre la intención humana y las tecnologías que la ejecutan. De Magia y Tecnología no pretende esclarecer estos procesos, sino señalar la distancia insalvable entre lo que creamos y lo que realmente comprendemos. Esta relación crece y se solidifica alrededor de la confianza y la voluntad de conocer; una alianza artificial que opera al margen de lo entendible para aportar comprensión y luz. EXPOSICIONES (24 abril – 24 mayo) ABRACADABRA: DE MAGIA Y TECNOLOGÍA, EXPOSICIÓN COLECTIVA. Espacio: GAVIOTA La exposición principal de esta edición del festival presenta cinco instalaciones de artistas de distintos lugares del mundo que abordan la relación entre magia y tecnología, respondiendo al marco conceptual de la edición: Roma Talismano es la última obra de la serie Atlas Mundial Superficcional de Guerreiro do Divino Amor (Brasil-Suiza). Este proyecto de investigación comenzó en Bruselas en 2005 con el objetivo megalómano de crear un atlas mundial superficticio. Investiga el impacto que tienen las ficciones de distintos tipos —históricas, geográficas, sociales, mediáticas, políticas, religiosas— en el desarrollo del espacio y en la imaginación colectiva. Cada ciudad requiere un enfoque de investigación específico y da lugar a una nueva superficción propia. Todas las superfictions se comunican e integran entre sí. La materialización de la investigación incluye videoclips, publicaciones y paneles animados retroiluminados. El proyecto utiliza la ficción como una forma de arrojar luz sobre la realidad. El dúo de artistas Lolo&Sosaku (Argentina-Japón) presentarán una nueva obra site-specific que nos sumergirá en su reino fantasmagórico y mecánico. Desde 2004, han estado creando hipnóticas esculturas sonoras utilizando instrumentos y artefactos hechos por ellos mismos. El trabajo de Lolo & Sosaku puede describirse como monumental, un choque entre lo orgánico y lo inorgánico, lo real y lo surreal. Emplean conocimientos mecánicos básicos y sistemas técnicos complejos como si fueran un lenguaje propio, con el cual logran construir un mundo extraño e inexplicable que desafía las convenciones. Rune Bering (Dinamarca) presenta Wi-Fire, una instalación compuesta por routers y pantallas dispuestos de forma que evocan una hoguera. Las pantallas parpadean con videos de llamas que han sido comprimidos hasta quedar casi irreconocibles: sombras digitales en tonos púrpura y rosa. Estas imágenes son el resultado de haber sido subidas repetidamente a distintas plataformas de redes sociales, cada una con sus propios algoritmos de compresión. El sonido original del crepitar se ha transformado en una reverberación apagada que resuena con el zumbido intenso de aproximadamente 200 servidores. Estos servidores, que emiten señales Wi-Fi y pueden encontrarse desde los móviles cercanos, han sido nombrados con palabras de poder identificadas por expertos en marketing. (Texto de Natalie P. Koerner) Red Silk of Fate es un proyecto de diseño especulativo de Sputniko! (Japón) que reinterpreta la mitología asiática del Hilo Rojo del Destino a través de la biotecnología. Inspirado en leyendas chinas, japonesas y coreanas, el proyecto utiliza una seda roja genéticamente modificada con oxitocina —la llamada «hormona del amor»— desarrollada junto al profesor Hideki Sezutsu de la Universidad de Tokio. En el film, Tamaki, una joven ingeniera genética, cose este hilo en su bufanda favorita para atraer el amor de Sachihiko, desatando inesperadas fuerzas místicas. La obra plantea un futuro en el que los mitos pueden materializarse mediante la innovación tecnológica, cuestionando los límites entre ciencia y destino. K-HOLE, un mal viaje a la Laguna de las Sirenas es una obra multidisciplinar de Alejandría (España) que forma parte de La Trilogía de la Noche, saga de instalaciones performativas dividida en tres capítulos: AFTER, CRUISING y K-HOLE. K-HOLE se compone de una serie de piezas escultóricas que conviven con activaciones en vivo ambientadas con un djset de música electrónica que acompaña a un elenco de performers en la composición de un tableu-vivant. La pieza se ambienta en un País de Nunca Jamás distópico habitado por sirenas agónicas que se reúnen en un concierto de cantos reivindicativos hacia nuestro presente. El paisaje de la famosa isla del libro de Peter Pan, deja de ser aquel territorio de cuento infantil de color y fantasía, y pasa a representarse como un lugar hostil, devastado por la Crisis Climática y las malas decisiones de un mundo intoxicado. Con este proyecto, Alejandría escenifica a través de un diálogo con inteligencias artificiales, la relación entre cuerpo y entorno, la amenaza de un futuro distópico y la ecología digital. MODEL HOME, SIMONE C NIQUILLE / TECHNOFLESH STUDIO. Espacio: NAVESIERRRA Por primera vez, se presentará conjuntamente la trilogía de películas de Simone C Niquille sobre la visión por ordenador y el hogar. Homeschool (2019), Sorting Song (2021) y Beauty & The Beep (2024) proponen una relectura crítica del espacio doméstico y de la visión artificial en general a través de los mecanismos de la óptica computacional: captura, segmentación y anotación del espacio íntimo privado, para alimentar los diversos dispositivos inteligentes que cada vez más pueblan nuestras vidas. Simone C Niquille es una diseñadora e investigadora suiza afincada en Amsterdam. A través de technoflesh Studio produce películas y publicaciones que investigan la computación como nueva óptica. Su trabajo se centra en las tecnologías de la visión, las imágenes que producen y los mundos que crean, desde la visión por ordenador, la animación 3D y la fotografía computacional hasta los conjuntos de datos sintéticos de entrenamiento. Su trabajo aboga por una tecnología no binaria y contra el machine learning como herramienta para validar e instrumentalizar suposiciones y reducir la realidad. CLIENTS AND SERVERS, COMMON ACCOUNTS. Espacio: HYPER HOUSE Porque la vida está online, también la muerte. Archivos, fotos, perfiles y demás restos digitales dejados por los fallecidos se convierten en nuevos artefactos para el duelo y la conmemoración. Las redes sociales y las infraestructuras que las alojan se han transformado en cementerios y tanatorios: anfitrionas tanto de reuniones formales como de recordatorios informales. El simbolismo casi mágico de la «nube», noción que resuena con la desencarnación espiritual y ascenso religioso, connota una dimensión sobrenatural de la muerte online. Esto reafirma el misticismo perceptual de toda nueva tecnología, que la comisaria Mayte Gómez Molina describe como «el momento en que la conciencia alcanza su horizonte y no puede ver más allá». La instalación Clients and Servers examina funerales, contemporáneos e históricos, que ensayan la distribución en red del duelo posibilitada por internet. Identifica un ejemplo proto-virtual en el apparato fúnebre de Felipe IV de 1665 —el monarca español cuya muerte reafirmó el declive del imperio. Su funeral tuvo un alcance global y puso en marcha la construcción de elaborados catafalcos en los centros urbanos del imperio, incluidos Madrid, Milán, Nápoles, Roma, Florencia, Génova, Ciudad de México y Lima. Los apparati funebri barrocos, del italiano apparecchio («instrumento» o «conjunto»), eran una invención tipológica que adaptaban al lenguaje arquitectónico la pira funeraria de la antigüedad. A menudo cubiertos de velas, los catafalcos eran estructuras escalonadas con programas iconográficos, biográficos, alegóricos y míticos, fundamentados en símbolos terrenales que ascendían hacia lo divino en sus registros superiores. Clients and Servers propone una instalación centrada en una réplica de cartón del catafalco napolitano de Felipe IV, diseñado por el ingeniero real Francesco Antonio Picchiatti. Este catafalco de cartón encarna la ética logística y distribuida del programa conmemorativo multinacional del Rey Planeta, y enmarca una serie de desplazamientos conceptuales entre los dominios físico y cósmico. Common Accounts (Igor Bragado y Miles Gertler) es una oficina conceptual de arquitectura y diseño que opera entre Toronto y Madrid. Su trabajo examina la intersección del cuerpo con la cultura material, tanto online como IRL, y se caracterizan por incorporar en su obra nociones que van más allá de lo arquitectónico y que regularmente pasan desapercibidas por la disciplina del diseño, como la muerte, el fitness o la cosmética. Han participado recientemente en bienales como las de Estambul, Seúl y Venecia, y han presentado su trabajo en museos y galerías de Nueva York, Roma, Los Ángeles o Seúl. Su obra ha sido adquirida por museos nacionales en Suiza y Corea del Sur. Su trabajo fue reconocido con una residencia en la Real Academia de España en Roma, y con el League Prize de The Architectural League of New York. Bragado es profesor adjunto en el IE University, y Gertler es profesor asistente en la Universidad de Toronto. PERFORMANCES (23 Y 24 MAYO). Espacio: RÉPLIKA TEATRO MMMAD Festival organiza dos jorndas de performances y live a/v shows en colaboración con Réplika Teatro, combinando tecnología y creación artística para cuestionar nuestra relación con lo digital. SONGS OF CYBORGEOISIE, ALLAPOPP Songs of Cyborgeoisie es una performance multimedia sobre entidades tecnológicas, orgánicas y fantásticas que se reúnen en un centro de rehabilitación para compartir sus traumas, derivados del miedo humano tanto a sí mismo como a las tecnologías que crea. El personaje principal, el Holograma, es un gemelo simbiótico del autor y su otra mitad en BBB_. Buscando sanar su visión distópica del futuro tecno-capitalista, ingresa al centro y conoce a otros personajes, como el Perro Robot de Boston Dynamics, con estrés postraumático por su trato por parte de ingenieros; una IA feminista queer, deprimida por su representación en Hollywood; y un algoritmo narcisista, obsesionado con la idea de que más Big Data resolverá todas las preguntas humanas. Robear, un robot cuidador empático, gestiona el centro. La historia se desarrolla a través de episodios en los que el algoritmo se enfrenta a su determinismo de datos, recibe una lectura de Tarot y descubre otras inteligencias (virus y bacterias), lo que lo lleva a una transformación empática junto con los demás personajes. allapopp es une artista interdisciplinar de medios digitales y performance con sede en Berlín, originarie de Tartaristán, Rusia. Su trabajo fusiona exploraciones de identidad tártaro-mixta, post-soviética, queer y migrante con una visión tecnológica inclusiva, operando formalmente en los ámbitos del arte digital, la performance y el sonido, así como en formatos interactivos físicos-digitales (phygital) y experiencias en XR y web. allapopp ha colaborado con instituciones como HAU Berlin y LAS Foundation, y ha estudiado y practicado arte en Alemania, la Unión Europea, China, Ruanda, Japón y Estados Unidos. Es cofundadore de los proyectos musicales TATAR KYZ:LAR y BBB_, además de formar parte del colectivo dgtlfmnsm y la plataforma Dreaming Beyond AI. NUEVO_ALGO_RITMO.CKPT, MANS O & JOAN SANDOVAL A medida que la inteligencia artificial se integra cada vez más en nuestra vida cotidiana, desde asistentes de voz hasta predicciones meteorológicas, los complejos procesos detrás de estas herramientas siguen siendo un misterio para la mayoría. Modelos generativos como ChatGPT, Stable Diffusion y DALL-E han ganado enorme popularidad, pero el usuario promedio desconoce su funcionamiento y las implicaciones éticas de su entrenamiento en enormes bases de datos. nuevo_algo_ritmo.ckpt es una performance audiovisual en vivo creada por MANS O y Joan Sandoval que explora estos procesos ocultos mediante IA, sonido, ritmo y danza. La obra revela las etapas del desarrollo de modelos de IA, desde la recopilación de datos hasta los resultados generados en tiempo real, utilizando más de 6000 imágenes del cuerpo y algoritmos de seguimiento que transforman el movimiento en imágenes digitales dinámicas. A través de ritmos intensos y una interacción constante entre cuerpo y máquina, la performance se convierte en un viaje hipnótico que cuestiona la relación entre la memoria, el tiempo y la tecnología que nos rodea. Joan Sandoval es un creative coder y artista digital de Barcelona que explora los límites entre tecnología, diseño y arte a través de instalaciones lumínicas, performances y visualización de datos. Ingeniero en sistemas audiovisuales con un máster en Music & Media Technologies, ha colaborado con estudios e instituciones desde 2016, presentando proyectos en La Bienal de Venecia, Lumiere London, MNAC Lisboa, Teatros del Canal y Sónar Festival. MANS O es un artista multidisciplinar que experimenta con el ritmo a través del movimiento y el sonido. Baila desde los 11 años y comenzó a publicar música y tocar en directo a los 14. Tras graduarse en diseño, ha impartido clases de diseño especulativo y diseño de sonido en universidades de Barcelona, combinando su faceta docente con una práctica creativa en la que la intuición y la improvisación son sus principales motores. 2 GUYS 1 BIMBO, MERITXELL DE SOTO 2 guys, 1 bimbo explora la sumisión masculina en el BDSM y la cultura del cuero desde el cuidado radical, reconfigurando el poder a través del cuerpo, la máquina y el sonido. La performance sonora se basa en el concepto de «pinchar con el cuerpo» como práctica coreográfica, desarrollado junto al coreógrafo Guillem Jiménez, donde las máquinas de DJ se convierten en objetos de afecto y erotismo, permitiendo analizar las dinámicas relacionales desde la perspectiva del dispositivo. A través del movimiento y el sonido, la pieza aborda la sumisión y el cuidado, disociando la experiencia de lo privado y dándole un nuevo lenguaje que posibilita el debate público sobre el riesgo y el cuidado en nuevas formas relacionales. Meritxell de Soto es una artista que explora los límites entre el sonido y la performance, investigando cómo los dispositivos sonoros interactúan con la fisicalidad y las dinámicas de poder. Su obra cuestiona la construcción de género, la identidad y el erotismo, generando experiencias sensoriales que difuminan las fronteras entre el cuerpo y la tecnología. Ha pinchado en festivales como Sónar, Tremor y Keep Hush, y ha trabajado como performer con LASADCUM en Teatros del Canal y CCCB. Con un enfoque en el sonido deconstructed club, su práctica como DJ busca impactar la experiencia colectiva del público y fomentar la creación de comunidades. CODEX €CONOM¥$TICU$, YESSi PERSE AV / Spoken Word DJ Set - Atmospheric New Ache Mix- donde YESSi PERSE corporiza el rol de la criptodivisa «Ethereum» y «CryptoBro», unes npcs (personajes no jugables) que proporcionan información sobre el lore del sistema economístico en el que nos encontramos y la leyenda de «La Ciberbúsqueda del Santo NFT». «El CODEX ECONOMYSTICUS es un NFHT, a Non Fungible Holy Token. Una criptoreliquia perdida en el rizoma Blockchain. Un grimorio de saberes arcanos y tecnomancia ritual, cuya lectura provoca especulación mortal. Un misterioso objeto digital que es la fuente de la experiencia economística suprema y que permite contactar con unas entidades sobrenaturales de un inmenso poder, las CriptoDivisas. El código del códice está minado en todos nuestros cortex cerebrales. La tinta que fluye en sus páginas son nuestros datos. Nuestra datasoul no es nuestra, pertenece al códice». YESSi PERSE es un traje de ficción e interfaz hipersticional que permite a sus usuaries entrar en narrativas alternativas, explorando la identidad avatar, la economía digital tecno-feudal y ecologías posthumanas xenofeministas a través de la ciencia ficción y la fantasía urbana. Su obra híbrida experimentación sonora, videoarte, CGI, videojuegos, realidad virtual expandida y performance, incorporando elementos de la cultura de fiesta, cosplay, rol en vivo y comunidades online. Fundadoras del colectivo y sello NeuroDungeon en 2020, han recibido premios como Generaciones 2023 de La Casa Encendida, Can Felipa Arts Visuals 2022 y Barcelona Producció 2021. Han sido artistas residentes en HANGAR y han expuesto en espacios como HKW, MACBA, IVAM, Matadero y Fundació Joan Miró, además de presentarse en bienales y festivales como Sónar, Transmediale & CTM y la New York Fashion Week. TALLERES DE TECNOLOGÍA Y ESCÉNICAS (17 mayo). Espacio: MEDIALAB MATADERO Carles Castaño + [SERVICIOS INMERSIVOS]. 17 mayo, 10-14h y 16-20h XXX + Isostopy (4h+4h) EXPLORANDO NUEVOS HORIZONTES CONECTADOS. Taller sobre arte, danza y virtualidad con Candela Capitán. 18 mayo, 10-14h Este taller de 4 horas, dirigido por Candela Capitán, ofrecerá un enfoque al cuerpo como eje central de la creación, explorando nuevas formas de composición coreográfica en el contexto de una sociedad hiperconectada, marcada por la exposición y el control digital. Mediante ejercicios prácticos y reflexión colectiva, se desafiarán los fundamentos tradicionales de la danza y el arte contemporáneo, explorando metodologías que cuestionarán la interacción entre lo físico y lo virtual. Se investigarán diversas estrategias compositivas, profundizando en cómo el movimiento se redefine en un entorno mediado por pantallas y nuevas tecnologías. Candela Capitán (Sevilla, 1996) es una artista y coreógrafa cuya práctica se sitúa en la intersección entre la performance, la danza y la intervención digital. Su trabajo investiga las estructuras de poder que regulan el cuerpo en la era digital, explorando las dinámicas de control, deseo e hiper-visibilidad. Su lenguaje coreográfico subvierte la noción tradicional de movimiento a través de su cancelación y la opresión del cuerpo, utilizando partituras físicas, esculturas que lo contienen y dispositivos parateatrales. Mediante instalaciones inmersivas, performances y piezas audiovisuales, examina la alienación, la erotización y la automatización del deseo en entornos digitales, donde el cuerpo queda atrapado entre la vigilancia y la exposición constante. Desde una perspectiva feminista, sus trabajos cuestionan la disociación entre presencia y virtualidad, así como las nuevas formas de control y representación en la cultura contemporánea.