Jean-Luc Godard y los Videojuegos como Gesamtkunstwerk

Jean-Luc Godard, el célebre cineasta de la Nouvelle Vague, sugirió en más de una ocasión que el cine debía evolucionar hacia la interactividad, dando lugar a una forma de arte donde el espectador tuviera un papel más activo en la narrativa.

#CódigosLiterarios es un ciclo de literatura electrónica y videojuegos creado por Plataforma Placa, un colectivo migrante que opera en España, México, Estados Unidos y Chile. Este proyecto pretende profundizar en las intersecciones entre arte, tecnología y cultura. Akihabara Blues se presenta como su colaborador.

Nuevas perspectivas culturales y narrativas interactivas

Su visión parecía anticipar el surgimiento de los videojuegos como una manifestación artística total, una síntesis de imagen, sonido, narrativa e interactividad. Lejos de ser un simple entretenimiento, los videojuegos han evolucionado hasta convertirse en una forma de expresión compleja, en la que convergen elementos del cine, la literatura, la pintura y la música en una experiencia participativa sin precedentes. Es innegable observar cómo los videojuegos han redefinido los paradigmas culturales y estéticos contemporáneos, consolidándose como un medio artístico en constante diálogo con otras disciplinas.

El Videojuego Como Síntesis de las Artes

Richard Wagner introdujo en el siglo XIX el concepto de Gesamtkunstwerk, la “obra de arte total”, en la que la música, la escenografía y la dramaturgia se fusionaban en una experiencia unificada. Siguiendo esta lógica, los videojuegos pueden considerarse la culminación de esta idea: son narrativas interactivas donde la música, el diseño visual, la arquitectura digital y la actuación se combinan con la agencia del jugador para generar una experiencia única y personal.

Obras como Journey (ThatGameCompany, 2012) o Shadow of the Colossus (Team ICO, 2005) demuestran que los videojuegos pueden transmitir emociones profundas sin necesidad de grandes diálogos o narrativas explícitas. En estos juegos, la estética minimalista y la mecánica de juego se entrelazan para crear una experiencia sensorial y emocional que se asemeja a la contemplación de una pintura de Caspar David Friedrich o la poesía de Rilke.

Nuevas Narrativas: De la Literatura al Videojuego

Los videojuegos han adoptado estructuras narrativas tradicionales y las han reconfigurado a través de la interactividad. Jorge Luis Borges, en cuentos como El jardín de senderos que se bifurcan, jugaba con la idea de narrativas no lineales, donde múltiples caminos se abren al lector. Esta idea ha sido materializada en títulos como The Stanley Parable (Galactic Cafe, 2013), que deconstruye el concepto de elección en los videojuegos, o Disco Elysium (ZA/UM, 2019), que convierte cada interacción en un ejercicio literario y filosófico.

Además, las influencias de la mitología y la literatura clásica son evidentes en sagas como Dark Souls o The Legend of Zelda, donde la estructura del viaje del héroe, descrita por Joseph Campbell en El héroe de las mil caras, se adapta a la interacción del jugador, otorgándole una dimensión simbólica y personal.

La Estética en los Mundos Virtuales

Si el cine heredó su estética de la pintura y la fotografía, los videojuegos han desarrollado su propio lenguaje visual, bebiendo de múltiples tradiciones artísticas. Juegos como Okami (Clover Studio, 2006) se inspiran en el sumi-e japonés, mientras que Bioshock (Irrational Games, 2007) evoca el diseño Art Deco para construir su utopía distópica. En Gris (Nomada Studio, 2018), la paleta de colores y la animación recuerdan la acuarela impresionista, generando un impacto emocional en el jugador a través de la progresión cromática.

El diseño arquitectónico también juega un papel fundamental en la construcción de estos mundos. Bloodborne (FromSoftware, 2015) fusiona el gótico victoriano con la estética de H.P. Lovecraft para generar una sensación de horror cósmico, mientras que The Witness (Thekla, 2016) convierte su mundo en un gran lienzo de colores vibrantes inspirado en la obra de Cézanne y Matisse.

Interactividad y Filosofía: El Jugador Como Artista

A diferencia del cine o la literatura, donde el espectador o el lector asumen un papel pasivo, los videojuegos transforman al usuario en coautor de la experiencia. Esta característica los acerca a las teorías filosóficas del estructuralismo y la intertextualidad. Roland Barthes, en La muerte del autor (Roland Barthes, 1967), afirmaba que el sentido de una obra reside en quien la interpreta. En los videojuegos, esta idea cobra vida, ya que cada jugador construye su propia narrativa a través de sus decisiones y exploraciones.

Ejemplos como Outer Wilds (Mobius Digital, 2019) demuestran cómo la experiencia del jugador es esencial para la construcción del significado del juego, en un mundo que solo puede ser entendido a través de la exploración y el descubrimiento personal.

Hacia un Nuevo Paradigma Cultural

Los videojuegos han superado el estigma de ser meros productos de entretenimiento para consolidarse como una forma de arte con una riqueza estética y conceptual sin precedentes. Su capacidad para integrar múltiples disciplinas artísticas y narrativas interactivas los convierte en una de las manifestaciones culturales más completas de nuestra era.

Como vaticinó Godard, la evolución del cine hacia la interactividad se ha materializado en los videojuegos, un medio que continúa explorando nuevas formas de expresión y que, posiblemente, defina el futuro del arte y la narrativa digital.

Almudena Anés (Linkedin) es una narradora española especializada en arte, videojuegos e identidad. Trabaja desde la escritura para indagar la fragmentación y el simulacro.

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