La Primavera di Botticelli, la nascita del Rinascimento
Alla fine del XV secolo, Firenze era una città fiorente e prospera grazie al commercio fiorente delle sue corporazioni e al denaro dei suoi banchieri. La città raggiunse un enorme splendore artistico e culturale sotto il governo di Lorenzo de' Medici. Alla sua corte trovarono rifugio gli artisti e gli intellettuali umanisti che avrebbero finito per trasformare radicalmente il pensiero e la cultura di tutta Europa.Tra questi c'era Sandro Botticelli, che sotto il patronato di Lorenzo il Magnifico creò le opere che segnarono un punto di svolta nella storia dell'arte, dando vita a una nuova epoca, il Rinascimento. La Primavera, che Botticelli realizzò intorno al 1485, è un'allegoria di questa “rinascita” intellettuale, della riscoperta dei temi greco-latini e della filosofia classica, lasciandosi alle spalle la devozione religiosa per riportare l'essere umano al centro della creazione artistica, e un tributo alla figura che lo rese possibile, il suo mecenate, Lorenzo il Magnifico.Il giardino di VenereL'opera è intrisa della cultura neoplatonica della corte di Lorenzo il Magnifico, che coltivava lui stesso la poesia e la filosofia. Rappresenterebbe l'Amore, che trascende il carnale per diventare puro e spirituale, l'amore platonico che avvicina l'anima umana a Dio. Per eseguire la sua composizione, Botticelli si è basato su opere latine, come i versi del poeta latino Lucrezio, che in Sulla natura associava Venere e Primavera nella stessa scena: “Arrivano la Primavera e Venere, e davanti a loro avanza il messaggero alato di Venere. Vicino alle orme di Cefiro, Flora semina completamente il sentiero e lo riempie di colori e aromi selezionati”.Ritorno ai miti classiciBotticelli conosceva queste opere attraverso i suoi colleghi umanisti. I Fasti di Ovidio, un calendario in versi delle festività romane, raccontano l'origine delle Floralia, feste romane che si celebravano a maggio: quando la ninfa Cloris, che emanava fiori respirando, suscitò la passione ardente di Cefiro, il vento fruttifero, che la prese in moglie con la forza. Pentitosi, il dio la trasformò in Flora, padrona di un giardino dove regnava eternamente la primavera. Le due donne sono quindi lo stesso personaggio in due momenti diversi. Lontane l'una dall'altra, non si guardano nemmeno, è come se fossero su due piani di esistenza diversi. Questa scena rappresenterebbe l'amore carnale, con Cefiro che feconda Cloris per dare alla luce la primavera trasformata in Flora.Vecchi canoni artisticiLe Tre Grazie rappresentano l'amore intellettuale, superiore. I loro nomi latini, Castitas, Pulchritudo e Voluptas le allontanano dall'amore terreno e libidinoso. Ma Botticelli non attingeva solo alle fonti letterarie, ma si ispirava anche alle formule artistiche pagane relegate per secoli dal pensiero cristiano. Le Tre Grazie appaiono nude, un tema tabù nell'arte cristiana medievale, esaltando la bellezza e la sensualità come virtù e non come macchie peccaminose. Le loro figure si muovono delicatamente, lasciando intravedere la loro nudità attraverso una formula molto popolare nella scultura antica, il drappeggio esemplificato con maestria nella Vittoria alata di Samotracia o nella Venere di Milo. Sebbene Botticelli non ne conoscesse l'esistenza (sono stati trovati nel XVIII-XIX secolo), conosceva altri esempi antichi della tecnica attraverso dipinti e murales.Una nuova eraÈ un dipinto pieno di allegorie e riferimenti classici e contemporanei, alla portata solo dell'élite umanistica di Firenze, che ancora oggi non possiamo decifrare completamente. Mercurio dissipa le nuvole, simbolo della fine della stagione delle piogge e del freddo e dell'arrivo della bella stagione primaverile, ma anche della nuova era che nasceva nella Firenze dei Medici, facendo evaporare le nuvole che coprivano la luce, lasciando il posto a una nuova era di illuminazione e conoscenza.Un'allegoria infinitaIl dipinto è pieno di allegorie e simboli. I fiori, sparsi in tutto il giardino e nell'abito di Flora e nel manto di Venere, sono un simbolo universale della primavera. Ricordano anche Firenze, la città dei fiori. Proprio come Flora distribuisce fiori in tutto il giardino di Venere, Firenze rappresenta il fiorire dell'antichità classica e la sua diffusione dalla corte dei Medici a tutta Italia e all'Europa.L'eterna primavera dei MediciAnche la vegetazione rigogliosa e lussureggiante che fa da sfondo alla scena non è stata scelta a caso. Si tratta di aranci, riconoscibili per i loro frutti rotondi e i fiori d'arancio, e piante di alloro. Gli aranci apparivano nello stemma della famiglia Medici ed erano un frutto che all'epoca tutti associavano al clan fiorentino. Gli agrumi, alberi sempreverdi, facevano riferimento all'eterno periodo culturale primaverile che stava iniziando nella città per mano dei suoi mecenati. D'altra parte, l'arrivo della primavera e la continuazione dei cicli stagionali avevano anche un significato mediceo, poiché alludevano a uno dei motti di Lorenzo il Magnifico, “il tempo
Alla fine del XV secolo, Firenze era una città fiorente e prospera grazie al commercio fiorente delle sue corporazioni e al denaro dei suoi banchieri. La città raggiunse un enorme splendore artistico e culturale sotto il governo di Lorenzo de' Medici. Alla sua corte trovarono rifugio gli artisti e gli intellettuali umanisti che avrebbero finito per trasformare radicalmente il pensiero e la cultura di tutta Europa.
Tra questi c'era Sandro Botticelli, che sotto il patronato di Lorenzo il Magnifico creò le opere che segnarono un punto di svolta nella storia dell'arte, dando vita a una nuova epoca, il Rinascimento. La Primavera, che Botticelli realizzò intorno al 1485, è un'allegoria di questa “rinascita” intellettuale, della riscoperta dei temi greco-latini e della filosofia classica, lasciandosi alle spalle la devozione religiosa per riportare l'essere umano al centro della creazione artistica, e un tributo alla figura che lo rese possibile, il suo mecenate, Lorenzo il Magnifico.
Il giardino di Venere
L'opera è intrisa della cultura neoplatonica della corte di Lorenzo il Magnifico, che coltivava lui stesso la poesia e la filosofia. Rappresenterebbe l'Amore, che trascende il carnale per diventare puro e spirituale, l'amore platonico che avvicina l'anima umana a Dio. Per eseguire la sua composizione, Botticelli si è basato su opere latine, come i versi del poeta latino Lucrezio, che in Sulla natura associava Venere e Primavera nella stessa scena: “Arrivano la Primavera e Venere, e davanti a loro avanza il messaggero alato di Venere. Vicino alle orme di Cefiro, Flora semina completamente il sentiero e lo riempie di colori e aromi selezionati”.
Ritorno ai miti classici
Botticelli conosceva queste opere attraverso i suoi colleghi umanisti. I Fasti di Ovidio, un calendario in versi delle festività romane, raccontano l'origine delle Floralia, feste romane che si celebravano a maggio: quando la ninfa Cloris, che emanava fiori respirando, suscitò la passione ardente di Cefiro, il vento fruttifero, che la prese in moglie con la forza. Pentitosi, il dio la trasformò in Flora, padrona di un giardino dove regnava eternamente la primavera. Le due donne sono quindi lo stesso personaggio in due momenti diversi. Lontane l'una dall'altra, non si guardano nemmeno, è come se fossero su due piani di esistenza diversi. Questa scena rappresenterebbe l'amore carnale, con Cefiro che feconda Cloris per dare alla luce la primavera trasformata in Flora.
Vecchi canoni artistici
Le Tre Grazie rappresentano l'amore intellettuale, superiore. I loro nomi latini, Castitas, Pulchritudo e Voluptas le allontanano dall'amore terreno e libidinoso. Ma Botticelli non attingeva solo alle fonti letterarie, ma si ispirava anche alle formule artistiche pagane relegate per secoli dal pensiero cristiano. Le Tre Grazie appaiono nude, un tema tabù nell'arte cristiana medievale, esaltando la bellezza e la sensualità come virtù e non come macchie peccaminose. Le loro figure si muovono delicatamente, lasciando intravedere la loro nudità attraverso una formula molto popolare nella scultura antica, il drappeggio esemplificato con maestria nella Vittoria alata di Samotracia o nella Venere di Milo. Sebbene Botticelli non ne conoscesse l'esistenza (sono stati trovati nel XVIII-XIX secolo), conosceva altri esempi antichi della tecnica attraverso dipinti e murales.
Una nuova era
È un dipinto pieno di allegorie e riferimenti classici e contemporanei, alla portata solo dell'élite umanistica di Firenze, che ancora oggi non possiamo decifrare completamente. Mercurio dissipa le nuvole, simbolo della fine della stagione delle piogge e del freddo e dell'arrivo della bella stagione primaverile, ma anche della nuova era che nasceva nella Firenze dei Medici, facendo evaporare le nuvole che coprivano la luce, lasciando il posto a una nuova era di illuminazione e conoscenza.
Un'allegoria infinita
Il dipinto è pieno di allegorie e simboli. I fiori, sparsi in tutto il giardino e nell'abito di Flora e nel manto di Venere, sono un simbolo universale della primavera. Ricordano anche Firenze, la città dei fiori. Proprio come Flora distribuisce fiori in tutto il giardino di Venere, Firenze rappresenta il fiorire dell'antichità classica e la sua diffusione dalla corte dei Medici a tutta Italia e all'Europa.
L'eterna primavera dei Medici
Anche la vegetazione rigogliosa e lussureggiante che fa da sfondo alla scena non è stata scelta a caso. Si tratta di aranci, riconoscibili per i loro frutti rotondi e i fiori d'arancio, e piante di alloro. Gli aranci apparivano nello stemma della famiglia Medici ed erano un frutto che all'epoca tutti associavano al clan fiorentino. Gli agrumi, alberi sempreverdi, facevano riferimento all'eterno periodo culturale primaverile che stava iniziando nella città per mano dei suoi mecenati. D'altra parte, l'arrivo della primavera e la continuazione dei cicli stagionali avevano anche un significato mediceo, poiché alludevano a uno dei motti di Lorenzo il Magnifico, “il tempo ritorna”.
Natura rigogliosa
Botticelli rappresentò nella sua opera centinaia di esemplari di fiori, arbusti, erbe, alberi e ortaggi, quasi tutti tipici della Toscana, che il pittore poteva trovare negli opulenti giardini dei Medici. Le due specie più numerose sono i margheriti e le violette, due fiori che crescono spontanei nei prati della primavera toscana. Sono anche simboli d'amore: il margherita indica un amore corrisposto, e il viola era il fiore sacro di Venere, incoronata con loro dopo la sua nascita. Ci sono anche camomilla, eleboro, fragole, frutta saporita, simbolo dei piaceri durante la stagione calda, o giacinti, un fiore nuziale.
Un'allegoria geopolitica?
Anche i gioielli indossati dalle protagoniste potrebbero nascondere simboli allegorici. Il ciondolo che pende sul ventre di Venere è una lunula, un amuleto usato nell'antica Roma come talismano per la fertilità. Molto appropriato per la primavera. Ma si può anche fare una lettura geopolitica dei gioielli delle due Grazie. Il ciondolo di destra (fiorito) può essere associato ai Medici. E le foglie di quercia della spilla di sinistra rappresenterebbero papa Sisto IV (che poco tempo prima gli aveva commissionato la decorazione delle pareti della Cappella Sistina). Il loro ballo farebbe riferimento alla pace firmata tra Firenze e il papato dopo un periodo di scontro.
La bellezza ideale
Tutte le figure femminili del dipinto hanno una bellezza ideale, fredda, molto simile ai canoni di bellezza dell'epoca classica. Tutte assomigliano un po' a Flora. Botticelli rappresentò la giovane dea che sembra guardare lo spettatore con il volto di una donna reale, Simonetta Cattaneo, musa degli artisti fiorentini, morta a 22 anni, poco prima che Botticelli dipingesse La Primavera. Botticelli la utilizzò come modello in altre opere, come La nascita di Venere, e altri artisti e letterati ne decantarono la bellezza. Lorenzo il Magnifico le dedicò diversi sonetti e Agnolo Poliziano celebrò il suo amore platonico con Giuliano de' Medici.
